《呼吸》算是林忆莲去岁复出后发行的粤语专辑《本色》的一个延续，这种延续更多的是一种精神和气质上的体现，而非顺水推舟的惯性滑行，而新唱片也正是在对自我气质更精准把握的基础上，造就了林忆莲演绎生涯中最为优秀的一次国语亮相。
　　此前林忆莲的国语唱片大致属于两种类型，一种为进军国语市场铺路的粤语翻唱版，属于典型的换汤不换药型；另一种则是下嫁宝岛之后，由当时的夫君李宗盛一手为其塑造的台式怨妇风格，只是这种路线基本属于公模型，很难将香江那端的林忆莲最独特的华贵气质尽情展现，反而在一种小家子气中，最终让林忆莲沦为了一个缺少个性的卡拉OK金曲的过渡者。而《呼吸》绝对不同于这两种大类，而是彻头彻尾全新打造的概念形专辑。
　　以《一个人》这首改编自英国“新秩序”（New Order）合唱团二十年前的经典舞曲《Bizarre Love Triangle》（奇异三角恋）做开场，也为这张专辑复古、华丽的艳丽风格定下了一个赏心悦目的基调。而最值得称道的还是久经岁月润色后，由林忆莲原本有些尖薄的声线中衬托出来的妩媚气息，也愈发让她中年贵妇的气质尽情展现，其娇喘加自怜的唱法，更是为“香颂”曲风多了一种东方化的分支。而越是这种不盲从时尚、不刻意装嫩的演绎，也使得林忆莲在富贵与华丽气质下越多了一种淡定和洒脱，及至将性感都带上了一丝可感可触的仙气。回想并对照去年麦姐高调推出的《Confessions on a Dance Floor》，林姐姐在这张专辑可谓是在性感的节奏中更多加入了婉约特质的感性，将自己尤物形象塑造的更饱满也更丰富，这也让这张原本很女人、很风情的一张专辑，因此有了一种雄浑夺耳的大家风范。

　　这是一张被尘封六年的“新”专辑，即使在六年以后，这张唱片的前卫性和实验性依然会让许多听惯三段曲式的歌迷无所适从。尽管窦唯本人一直表示《山河水》才是他个人最好的专辑，但是从音乐的角度来讲，显然是他与译乐队合作的两张专辑，才是表现“士太夫摇滚”最彻底、最丰富，也是最华丽的篇章。与前作《幻听》相比，这张《雨吁》在泼墨意境的营造上要来得更从容，意识更为开放、结构更为庞大，也难怪当时的“滚石”高层会对这张已经和传统流行歌坛审美标准相去十万八千里的唱片“震怒”不已，以至于在六年以后才能“解禁”重见天日。的确，也许《雨吁》专辑在精神或音乐革命性上，并不足以让它“万古流芳”，但是它对东西方音乐融合中的死硬壁垒却是起到了显而易见的松动作用，尤其是用Post-Punk及Dream Pop等曲式结构，来驾驭太上玄的中国道教文化意境上更是别出心裁、匠心独特。至于专辑中那些生辟古文字的解读，其实还是能免则免，因为这样的文字游戏本来就不是《雨吁》的主角。

　　舞台魅力远胜于唱功实力的李宇春，能否在转变成职业歌手后还能领跑其他的05年度超女？《皇后与梦想》带给人的惊喜，显然已经给出了一个肯定的答案。这其实并不意外也并不矛盾，正是因为李宇春唱功上的弱势，反而因祸得福的成为了她具有可塑性的优势，再加上以张亚东、莫艳琳领衔的国内顶尖创作团队，使得李宇春在一种非常轻松的状态下，就轻易把握住了为她量身订造的华丽却简洁的复古摇滚及舞曲主题。

　　可以这么说，《皇后与梦想》就是这么一张高品质的卡拉OK伴奏与演唱合成的专辑，而它细腻却不复杂的制作，一方面既掩盖了李宇春声线表现度方面的劣势，另一方面也反而让她帅气活力的优势能够尽情地发挥出来。虽然在《下雨》、《想哭》和《等》这样的慢歌里，李宇春的表现依然差强人意，但正是因为有了一个不错的主题基调，也让这张专辑给人的惊喜远远多于失落。

[李宇春 写真]

　　至少在目前的录音技术条件下，《七日谈》这张唱片所带来的音色效果是最能够还原或接近原始自然色彩的。当然，如果仅仅是科技范畴的还原，那倒容易多了，在OEM手法高速发展的今天，用发烧技术模拟如“班得瑞”那样的现代桃源也早已不是什么复杂的事，问题还是如何将人的身体、精神、潜意识和灵魂全部放飞出来，而后三者显然就是仅仅科技所无法解决的。如果说《七日谈》这张专辑和朱哲琴最为鼎鼎有名的《阿姐鼓》有什么区别，那就是在听觉上少了几份肉欲，而多了几份自然的古朴，毕竟前者MIDI+流行唱法+通俗唱法+藏音元素+“新世纪”的组合，最后很容易就被牵引到唱片早就设置好的另一个主题——发烧。而《七日谈》却是一张只字不提耳朵发烧的专辑，它忽略传统音乐旋律驾构的随意哼唱和松散即兴的编曲模式，已经再次将音乐带入了混沌的原始世界，其最大的效果就是突出了灵魂的自由度，如果在现实中真的存在用灵魂唱歌这种说法，那么说得正是《七日谈》这样的音乐作品。

[朱哲琴 写真]

　　张信哲在这张新唱片里并没有让人失望，甚至与他最巅峰时期的状态相比，折扣也并不算打得很大。《做你的男人》、《说慌》、《忘了我》和《上海姑娘》都是极具质素的流行小品，尤其是在传统华语情歌的新创作都已经走入穷巷的今天，这些歌曲还依然能够用旋律带来清新、贴耳，确实是种意外的收获。有了对路的创作，张信哲的演绎从来就不用让人担心，而经过岁月的积淀后，这些情歌在他声线的衬托中，也因此显得格外典雅和华丽，虽然他的声音已经不像潮水那样来势汹汹、气热澎湃，但多了一份淡定和从容后，反而让他的歌声如涓涓细流般更能滋润人心。同时，这张专辑歌词部分营造的故事效果，也让这张专辑有了一些书卷气的文学效果，亦乐亦文，这样的组合搭配模式，也让张信哲的情歌功力，因此能再散发出多一层的威力。

[张信哲 写真]

　　周董显然从《十一月的萧邦》里吸取了相当多的战斗经验，于是到制作《依然范特西》专辑时，在运用保守疗法的同时，也适量的在形式的讨巧中下了许多的细腻功夫，这就使得这张新唱片至少在听觉上能保持有一定程度的新鲜性、趣味性。像《迷迭香》里的“波萨诺瓦”、《千里之外》里费玉清很古典的男声、《红模仿》里的拉丁音乐，以及《本草纲目》与《辣妹子》可以串场的好玩之处，都是《十一月的萧邦》那种全面保守的音乐氛围所不能比拟的。但《依然范特西》却依然暴露出周杰伦创作题材日益局限、音乐思路日趋狭窄，以及整个制作群体合作上的审美疲劳等等问题。这就让这张唱片缺乏了它所致敬的《范特西》专辑那种探索和实验的精神，并让新作只能成为旧日经典一次带有自恋色彩的追忆，而非在追忆的基础上进行的艺术重建。

[周杰伦 写真]

　　如果把周笔畅的这张唱片叫做单曲大汇粹或者单曲试验集锦，显然要比叫专辑更为合适，又或者将整张专辑化整为零积各自分散单独推出市场，也要比强塞进一张专辑坏了邻里关系要好的多。其实问题还是“乐林文化”过于自信了周笔畅演绎全面性上的实力，并在第一张专辑中就一次性端上了数种风格去和周笔畅的声线磨合，其结果也只能是造成专辑主题的混乱和曲风的芜杂，而周笔畅也在这种必须具备十项全能的要求中，不仅没有在毕其功于一役的自信中演绎出一首绝对的经典，反而在过于多元化的曲风中，变得有些迷惘和无所适从。

　　从制作效果来看，十首单曲每一首都能超过同期华语流行歌曲的平均基准，无论是摇滚、蓝调还是流行，周笔畅的局部细节处理还是显出了一个新人歌手难得的老成，但如果和“超女”时期翻唱的作品相比，却又能感觉这些首唱作品在辩识度上相对要多一点阻碍，这也正从另一方面说明整张专辑制作思路的大问题，并让原本最有希望在首张专辑出彩的05“超女”之一的她，多少留下了许多遗憾。

[周笔畅 写真]

　　无论做何种华丽又堂皇的解释，只要将这张《太美丽》和之前陶喆的任何一张专辑相比，任何审美正常的人还是会说，这张专辑做得实在是太平淡了，注意！是平淡而不是平和，这是两个完全不同的概念。也许唯一可以庆幸的也只有陶喆的创作功力，毕竟还没有像F.I.R那样已经被消耗得一干二净，《太美丽》、《那一瞬间》、《追》和《自导自演的悲剧》总算还有《流沙》、《天天》、《爱我还是他》这些经典作品残余的影子，这也保证了专辑能够顺利下咽的底线，这也许就叫底蕴起的作用吧？！但底蕴这东西毕竟只是锦上添花的点缀，并不能在音乐创作中起主导作用，因此陶喆这张专辑最大的问题，还是创作上的因循守旧，这也让《忘不了》这样的陶氏R&B老歌新唱，也没了往日耳目一新的体验。由此反观专辑的名字，也只能说是陶喆对于过往自我成绩的一次追忆，太美丽？——是的！但它说的是曾经而不是现在。

[陶喆 写真]

　　在华语歌坛芸芸众生的女歌手中，徐若瑄的声音辩识度并不算很高，但她却因为从一开始就选择了一条与自己气质相符的机灵小女生路线，而因此让她的唱片总是显得格外别致和引人瞩目。继承了上张专辑《狠狠爱》的优良传统，新专辑《Viva and……》依然保持了她机灵的时尚路线，并不过份的小聪明、自恋、时尚、纯情以及伤感，为专辑提供了一个很好的入耳氛围。而如专辑名所示的，在这张唱片里，徐若瑄也是再次保持了与多位当红音乐人的合作，像主打曲《美人鱼》的作曲和制作正是来自周杰伦与钟兴民这对老搭档，而《I Still Believe》则又邀请了新生代歌手曹格合作对唱，专辑也正是在这种不跨界也不一味保守的状态中，呈现出它稳中有亮点的特色。

　　不过，尽管有周杰伦操刀，但主打的《美人鱼》的水准并不算特别出色，也并不能完全突出徐若瑄的特色之处，最能符合她气质要求的，还是《女人心机》、《来电Darling》、《臭皮匠V.S.诸葛亮》这种时尚电音，在有些暖昧的节奏中，虽然律动感并不算太强，但那种精灵气的游走，却能将舞曲音乐里那种柔软和弹性诠释得格外传神。

[徐若瑄 写真]

　　即使离开老师姚谦加盟了“种子音乐”，江美琪却还是将“维京百代”时期演绎风格的最精髓原封不动地带到了新东家，虽然此次制作人换成了吴克群、林俊杰等更多新生代的力量，但江美琪略带一些神经质的复古情歌路线，却依然是专辑最为核心的成份。

　　少了上张专辑《恋人心中有一首诗》的演艺圈名人朗诵串连歌曲的概念，此次江美琪还是延用了她比较习惯的与不同音乐风格的作品磨擦火花的“传统”作法，十首作品中不仅有她自己的首度创作，也有相当贴心的戴佩妮的作品，并且还有电子摇滚，甚至像《妹妹》这样以前未曾涉及的R&B曲风。江美琪在处理这些快慢相间的歌曲时，大体依然还是不温不火，偶尔的爆发也都是在正常接受范围，而她处理歌曲的丝丝入扣，也确实是同类型歌手目前普遍缺乏的全能唱功。如果要说弱点，也就是江美琪还是不懂得利用她声线中很有潜质的爆破力，将音乐处理得更霸气和张狂一些，而这也正是她一直因为没有把一首歌曲唱出惊天动地的效果并无法彻底大红的主要原因。

[江美琪 写真]

　　很久没有在美国最主流乐坛听到如此一气呵成、如同长诗般瑰丽的流行唱片，也绝对会让等待Christina Aguilera新唱片已经四年的歌迷，终于可以在这套洋洋洒洒23首作品的双唱片中舒出一口压抑已久的恶气。

　　从新专辑《Back to Basics》的封面上，其实就已经可以感受到这张唱片以复古为基础的主题，正如Christina Aguilera自己所讲的一样，这是一张站在巨人肩膀上完成的专辑，而这些巨人无一例外都是美国最传统的音乐风格——Jazz、Soul、Blues等等领域的顶尖巨星，如Etta James、Biilie Holiday、Ella Fitzgerald等等。而为了更好地呈现出这些复古音乐的古旧效果，在这张唱片中也特意注重了对原始音色的保留，使专辑整体的效果更接近黑胶唱片的感觉。当然，这也要求了Christina Aguilera的声线同样要达到复古的标准，而正是在这要的难度设限中，Christina Aguilera倒是展现出她歌坛生涯至今为止最完美的一次释放，将上世纪三、四十年代的古典音色，一次打包、唱了个干净痛快，而这样跨度的纵横穿越，寻常人就算只是听也未必一下子就能消化得过来，更何况克里斯蒂娜这个演绎者，看来这张专辑的出版，除了商业上的成绩之外，倒是能为她未来的发展指出了一条最适合的途径。

　　这张专辑的制作阵容同样强大，除了Christina Aguilera本人外，还有老搭档Linda Perry和首次合作的DJ Premier，而为了配合唱片本身涵盖量相当丰富、时间跨度也长的音乐，在编曲上也是出动了超豪华的配置，小号、长号、风琴、钢琴、萨克斯、小提琴、大提琴，以及合唱队与弦乐，再加上克里斯蒂娜婚后更趋成熟和性感的魅力声线，真叫人感叹原来一张流行专辑也可以做出“夜宴”这样豪华的效果的。

　　这是一张真正的Rap Rock专辑，也是The Roots离开Geffen加盟新东家Def Jam的首张大碟。专辑在音乐上显然是跳过《The Tipping Point》而重新杀回了《Phrenology》时刻的尖锐与杀气。《Game Theory》充分展现出The Roots的说唱音乐，既不圆滑讨巧，也不时尚精致的反潮流特点，坚持以乐队方式实打实表现音乐的他们，因此也格外地能够带来摇滚乐才有的那种冲击震撼力。虽然新专辑内不乏有将旧金山传奇的Funk与Soul乐团Sly&The Family Stone和英伦电音班霸Radiohead的作品分别放进《Game Theory》和《Atonement》的采样点缀，但The Roots的优秀之处就在于他们永远不是把采样当成玩具，而是充分利用采样来加强自己作品的表现力。同时，《Game Theory》这张专辑也并不缺少The Roots贯有的锐利表达。《False Media》里对战争血腥性的抨击、《Livin' In A New World》对政府“面面俱到、无所不在”的监控之“感激”，还有《Don't Feel Right》里对社会问题的悲天悯人，都足以显示出The Roots与当下那些主流娱乐说唱歌手的本质区别。

　　气质决定曲风，也正是在这样的定律中，即使John Mayer在2006推出的新专辑《Continuum》中展开了回归Soul和Blues的新主题，但除了一些细节手法上的差异外，在唱片总体细腻、敏感、柔和、人性的氛围下，却依然还是能够让人清晰感觉到它和2001年的《Room For Squares》，以及2003年的《Heavier Things》之间血脉相连的人文DNA。

　　可以说，《Continuum》绝对不是一张传统意义上讲究身体快感的黑人音乐专辑，它更注重灵魂的细腻刻画和意境构造，不过让人可以喊阿弥陀佛的是，即使John Mayer和那个事非不断的离婚女人Jessica Simpson搞到了一块，但他对于新专辑的打造却并没受到那个既缺乏嗓音也缺乏大脑的新欢明星的影响，而是依然故我的展开他人文化的创作路线，以美国人非常少见的婉约手法，将Soul、Blue这些原本充满着野性的音乐，轻柔地带入Folk简单、清澈、雅致的氛围中，并在一种冷静中的沉思状态下，呈现出专辑“发现自我、探索人性”的主题。

　　所谓近朱者赤，Beyonce自从和Jay-Z搞在一起后，虽然并没有成为真正的Beyonce-Z，但毕竟也没少从男友身上吸取一些音乐人的风范，而当这些风范和她在Destiny's Child时期就已经练就的一身暴力歌喉相融合时，Beyonce与那些主流女歌手自然也有了一定的层次界限。事隔三年后推出的新专辑《B’day》，Beyonce虽然没有用自家的亲亲Jay-Z担纲制作，而只是让他客串了两首歌曲，但专辑似乎却又比上张专辑《Dangerously In Love》更多了一些实验性和技术性，复古Funk节奏和Hip-Hop元素的大量运用，更是让专辑变得异常的“凶猛”，并因此也衰减了在旋律方面的流畅程度。
　　事实上，这张比《Dangerously In Love》绝对要更彪悍的作品，已经偏离了惯有的主流Urban音乐的制作轨道，而略微有了点Alternative的倾向，不过其具有倾略性的听觉效果，还是能让人感觉到Beyonce制作上的用心。唯一遗憾的倒是过多强劲的节奏加入，反而使Beyonce在拿手的情深款款兼偶尔炫技的蓝调情歌方面的展现有所衰减，即使翻唱Victoria Beckham的《Resentment》和另一首略带轻快节奏的《Irreplaceable》也算是不错的小品，但毕竟也只能说是乏善可陈。

　　《Modern Times》似乎回到了Bob Dylan上世纪八十年代前那段最辉煌的岁月，非常古典化的Blues以及Rock&roll，几乎让人误以为它是一张已经尘封了二三十年的老唱片。的确，Bob Dylan属于三十年前的气质，即使是他自己都很难彻底颠覆，更让人觉得有意思的是，即使已经六十有五，但Bob Dylan在这张专辑里却依然表现得生龙活虎，在那些古老的Blues和Folk调调中，甚至还总是会呈现出愤青才有的气质，如果世上要选愤老的代表，他应该就是最理想的一个。当然这一切都是有感而发，而非无病呻吟，他的脾气然还是由于对现实世界、尤其是当代乐坛的不满，不过好在他对歌词幽默、神秘的处理功底依然得以保留，也使得专辑没有因为单一的抱怨而使音乐作品沦为沉词烂调。当然遗憾也是有的，那就是Bob Dylan终究是老了，《Modern Times》里呈现出的音乐氛围早就没了当年一气呵成的流畅，拖沓的旋律加拼贴的歌词，还有缺乏清晰框架的乐队演奏，无一不说明歌手进入老年后还要玩抗议音乐，和年轻人相比毕竟是有劣势的。

　　Muse自从出道以来，就一直因为与Radiohead相像的主唱问题而被后者压得喘不过气，再加上Radiohead独特又明晰的个体印迹又一直在全球范围内享有美誉，就更使得Muse常常会发出“既生瑜、何生亮”的感慨。不过，今年应该是Muse与Radiohead对决中唯一胜出的一次，因为与单抢匹马又略显单调和单薄的Thom Yorke新专辑《The Eraser》相比，Muse新作《Black Holes and Revelations》里绚丽又多彩的物质化电音，显然要更为丰富和丰满。

　　这一次，Muse显然把专辑当成了任他们尽情实验和玩耍的音乐游乐场，New Wave、Brit Pop、Indie、Noise Rock 、Experimental、College Rock、Electronica等风格几乎被玩了一个遍，颇有一种让新晋歌迷招架不住的眼花缭乱感。而专辑本身在文字方面的警醒和锐利，也让《Black Holes and Revelations》这张专辑在思想方面保持住一定的艺术档次。唯一相对逊色的，可能就是Muse作品旋律创作上的过于中庸，这也使得音乐在本质上少了一种明晰的线条感，而这也正是他们与Radiohead之间最大的差距。

　　Los Lonely Boys（洛城寂寞男孩）是一个典型内在与外在不统一的乐队，比如说他们的形象很“金属”，但音乐却很传统；又比如他们的团名很青春，但他们做的音乐却又很古老……《Sacred》做为这支德州乐队的第二张专辑，虽说没有比他们一鸣惊人的首张同名专辑做得更为出色，但更丰富的编曲、更醇熟的演绎，却无疑是对两年前的音乐做了一次惯性的细节升级。

　　 专辑的作品依然由这个家族乐队自己来完成，制作人也同样是《Los Lonely Boys》专辑的John Porter，而有了成功的磨合，这次他们更是顺理成章地搬来了更多的乐器加入到音乐的编排中，在保持不破坏原有音乐元素纯正度的基础上，尽心尽力的对这些美国传统口味的音乐进行更华丽的翻新。专辑的氛围自始至终是明朗和阳光的，无论是鼓击、吉它Solo，还是演绎，虽然它并没有超越前作，但这种方式的“换汤不换药”，还是能够让人接受的。

　　一个乐队的主唱想要做个人发展，并不如人们想像中那样简单易行，尤其是如果这个乐队还是一支顶级明星乐队的话，那么无疑就更会增加主唱单飞的难度。做为Thom Yorke以个人名义发行的首张专辑，《The Eraser》很自然就让人联想到Radiohead，毕竟嗓音这个招牌太具有直观性，而这种直观性又总是会让人不经意间就开始进行了比较。

　　可以说，只要是喜欢Radiohead音乐的人，都会将《The Eraser》当成Radiohead的新作来听，如果是这样也就必然而然会引起一种心理上的比较落差，因为这张专辑明显就是Radiohead的Demo作品，即使制作人也是Radiohead的老搭档Nigel Godrich，但与Radiohead的作品相比，它的节奏和氛围确实太过迷你和纤弱了，感觉就像是Radiohead音乐的一个简装特惠版。不过，如果抛开Radiohead的成见听这张专辑，你还是能感受到它自恋、病态的阴郁气质，当然这种气质最主要的并不是靠音乐本身的实验性来强调，更多的还是依靠Thom Yorke本人独特的艺术魅力。

　　曾经为Black Eyed Peas带来转机好运的女歌手Fergie，在入团仅仅三年后就打起了私房主意，并最终将想法付诸实施，推出了她以个人名义发表的第一张专辑《The Dutchess》。不过，现如今尚未正式与Black Eyed Peas脱离关系的Fergie，倒并不是仅仅将最初的单飞以乐团化的风格延续与过渡下去，可以说在新专辑里，多少还是呈现出许多符合她个人气质的新元素，虽然如果与Black Eyed Peas近几年的作品相比，《The Dutchess》还会显得有些单薄、柔弱，但其女性化的粉红Hip-Hop线路，毕竟也多少会让人有耳朵一亮的感觉。从最能突出个性化特色的文字内容表达来看，《The Dutchess》就像是一本Fergie的个人音乐日记，详细记录了她年少时混迹黑帮并深陷药物的劣迹岁月，而最后在大彻大悟后引申出的女权类的主题，倒也让人依稀看到了她进化成麦姐风范的潜质。在音乐方面，这张专辑主李还是由Black Eyed Peas的核心成员will.i.am担纲，他为Fergie亲自打理的这条纤细、娇媚、可爱的说唱路线，也最大限度将乐团时期的Fergie与单飞后的风格明确地区分开来，虽然其音乐丰满性上毕竟不能和Black Eyed Peas大气磅礴的那些经典作品相比，但做为一个成功乐团的单飞歌手来讲，这样的起点毕竟还不算太令人失望。

　　Justin Timberlake由偶像向实力歌手过渡的事实，已经由他自’N Sync离队单飞后的首张专辑《Justified》成功论证，唯一没有让人想到的倒是随后和Cameron Diaz的一场姐弟恋，竟然消耗了自己如此之多的时间和精力，以至于他的第二张专辑竟然在四年之后才终于推出了市场。也许是受到了两年前与Black Eyed Peas跨界合作的一首《Where Is The Love》大获成功的启发，这一次Justin Timberlake更是再进一步，索性将自己惯有的性感抒情风格重新进行了线路改装，并以Hip-Hop为主、其它多元元素为点缀的方式，展示出多少让他的老歌迷或许会感到无所适从的新风貌。在新唱片里，邀请明星大腕的噱头同样必不可少，Snoop Dogg、Pharrell Williams以及 Black Eyed Peas的主脑will.i.am这些Hip-Hop界棚虫的加盟，毕竟可以让专辑音乐在与主流时尚的趣味上更趋于一致。不过，隔行如隔山的教训也同样在这张《FutureSex/LoveSounds》里困扰着Justin Timberlake，首打单曲《Sexy Back》虽然用灰色冷峻的效果点缀出全新的低音电子氛围，但整张专辑也正是因为这样为讨巧而搞新思的制作中，丢失了许多Justin Timberlake很本色的东西。